1. 情感层面的 “身份置换”

作为母亲，孙茜将对自家孩子的爱与恐惧，完全投射到角色身上。拍摄母亲抱娃送别的戏时，她抱着道具婴儿，脑海中全是自家孩子学站的模样，灯灭后趴在冰冷的地板上失声痛哭，这段未中断的真实哭声最终被剪入正片。当镜头对准她护住腹部的本能动作时，她轻声说出的 “我怕希望被发现”，既是林素贤的心声，也是一个母亲最本能的守护欲。

孙茜的 “撕碎”，最终指向与角色的彻底融合 —— 她不再是 “演林素贤”，而是 “成为林素贤”，让历史的伤痛通过她的躯体传递给当代观众。

在活体解剖场景中，她没有刻意设计哭戏，只是任由恐惧与愤怒从瞳孔中溢出，身体因极致的痛苦而本能颤抖。这种颤抖并非表演，而是看到史料中 “母亲护子却无力回天” 的场景后，内心深处迸发出的生理共振。导演赵林山评价：“她的表演没有技巧痕迹，只有血肉与历史的碰撞。”

这种融合在路演现场延续：当观众问及如何克服心理障碍时，她哽咽着展示手机里的幸存者口述影像，“每天化妆前看半小时，不是模仿痛苦，而是提醒自己表演的底线”；谈及哈尔滨的今昔对比，她看着台下观众，眼泛泪光说出 “现在，真好”，四个字里藏着林素贤们从未见过的和平图景，也完成了角色与现实的对话。

对孙茜而言，“撕碎自我” 的终极目的，是让被尘封的历史发出声音。她深知，731 部队的遇难者 “每一个人都有家，有妈妈，有孩子”，却最终沦为实验报告上的冰冷数据，而演员的使命就是让这些无名者 “重新拥有姓名与温度”。

电影片尾，3513 个遇难者姓名组成的 “人墙” 缓缓升起时，影院里长达三分钟的静默，正是对她表演的最佳回应。有观众说：“看到孙茜饰演的林素贤被拖向实验室时，好像听到了八十年前的哭声。” 这种跨越时空的共鸣，印证了她的坚持 ——“最好的演技不是技巧的堆砌，而是让历史伤痕在当代躯体上重新流血”。

从《甄嬛传》的崔槿汐到《731》的林素贤，孙茜始终践行着 “演员是流体” 的理念：弱化自我，才能被角色的 “容器” 完全接纳。而在《731》中，她的 “撕碎与统一” 更超越了表演本身 —— 这是对遇难者的告慰，对历史的铭记，更是以艺术之名发出的和平呼唤：那些 “无人生还” 的黑暗过往，永远不该被遗忘。